Prometteuse des beautés du siècle des Lumières dont on ne se lassera jamais,
Parcourue dès la première heure d’ouverture afin d’en goûter les plaisirs non encore dévoilés,
Sans éclat, voire poussiéreuse, scolaire, didactique,
Cette nouvelle exposition du MAD n’apporte rien de révélateur à tout amateur tant soit peu familier des salles permanentes du Louvre restaurées voici quelques années, du musée Camondo ,de la fréquentation régulière de grands antiquaires parisiens tel Guillaume Léage, sans oublier châteaux et expositions temporaires de Versailles.

N’en méprisons pas pour autant les quelques trésors, pépites et découvertes glanés au fil du parcours.
Choix entièrement subjectifs de LULU.

Divisées en douze séquences, chacune d’elles conjuguent contexte historique et descriptions précises d’un hôtel aristocratique dans les années mille sept quatre vingt.

Abordé par la rue, sale et jonchée d’immondices, lieu d’un affichage sauvage, l’aristocrate ne se déplace qu’en chaise à porteurs ou dans son attelage.

Détail amusant : les recommandations médicales du docteur Tronchin préconisent la promenade à pied « Un bâton à la main » ou une canne très haute utile aux femmes qui « tronchisent » en talons plats.
Cette vogue des cannes en font un objet de grand luxe, comparable à celui des tabatières, (se souvenir le l’exposition au musée Cognac Jay en 2024) boites à mouches et bonbonnières.

Afin de protéger leurs fins escarpins, ces dames portent des socques pour enjamber les flaques, le mantelet, muni de sa capuche, dit « coqueluchon » la protège des regards, voire dissimule larcins ou grossesses. 

Toujours au chapitre déplacement nous apprenons que Paris est la capitale européenne de la carrosserie.
L’intérieur des berlines, plus légères et maniables que le carrosse, est aménagé pour améliorer le confort des voyages.
Afin d’en faire, déjà, le « prolongement » de son intérieur,

Pénétrons maintenant dans la cour d’honneur, un espace dégagé pour permettre la circulation des voitures.
Le corps de logis domine la rue comme sur les places royales, ou se développe en cour d’honneur et jardin d’agrément.
Voici un lieu privilégié dans lequel, selon Boileau, on peut :
« Foulant le parfum de de ses plantes fleuries, aller entretenir ses douces rêveries »,
coiffée en été de ce chapeau de paille, dit « bergère »,à larges bords et calotte plate ornée de ravissants nœuds, vêtue d’un frais ensemble provençal en toile de lin brodé,

Suivent les rappels suivants :
L’extension de la capitale vers l’ouest, la dispositions des pièces d’apparat en enfilade, la création de nombreux couloirs et escaliers de service pour faire circuler les domestiques, la distinction des appartements de Monsieur et de Madame, l’importance variable des « maisonnées » en fonction des degrés de fortune et l’évolution de la mesure du temps :

Apprenons l’origine italienne du Vestibule importé en France au XVIIIe siècle.
Sobre et minéral, alliant pierre et marbre, pilastres et niches pour les statues, seul un poêle en faïence vient parfois le réchauffer comme ce magnifique exemple au conduit soutenu par des noirs, et au sommet orné de feuilles de palmier.

Dans Chambre de Madame, et son Boudoir conjuguent confort et intimité.
Bel exemple avec cette chaise longue « brisée » dont le confort permet d’étendre ses jambes, garnie de ses coussins moelleux, mobiles : « les carreaux », munie d’un dossier incliné vers l’arrière, ici « en gondole » et de roulettes pour faciliter son déplacement.

Émouvant don Camondo, cette ottomane (pensons aux « Liaisons dangereuses »),
cette très précieuse table volante, en cabaret, de l’atelier Martin Carlin décorée de bronze ciselé doré, avec son plateau, en fine porcelaine de Sèvres-Vincennes pour recevoir les boissons chaudes ainsi cette chocolatière (porcelaine de Sèvres).

« Faire des nœuds » au moyen de fils de soie et navettes constitue un des passes-temps favoris de Monsieur autant que Madame.
Différence notable avec les métiers des tisserands, ces métiers et navettes sont de « véritables bijoux » par la richesse de leur matériau.

Rassurez-vous, les galons ainsi fabriqués servent de passementerie pour orner mouchoirs, pochettes, vêtements, jarretières. Le cartel précise que cette production « mondaine » porte le nom de « frivolité ». Voyez d’exquis exemples sur la ci-dessous.

La Salle de Bain.
Aussi surprenante que séduisante, nous voici devant une des reconstitutions les plus réussies du parcours.
Si l’usage de l’aiguière et de sa cuvette est destiné au lavage des mains, celui de large bassin pour les pieds, et du... bidet pour les parties intimes, les personnes les plus fortunées possèdent une baignoire.

Quel luxe, quel raffinement caractérisent cette pièce réservée à l’hygiène.
En fond de décor une baignoire à dosseret en cannage peint de blanc, accoudoirs tapissés, avec une riche aiguière en argent et sa cuvette posées sur un plateau.

Au premier plan, le mobilier. « fonctionnel » : le dossier à échancrure d’un fauteuil en rotin tressé (à l’image de la baignoire) dit « de toilette » facilite le coiffage des longs cheveux féminins.
Remarquable par sa forme et sa conception, la table de toilette « en cœur » pour homme signée Topino.

Le cabinet ou la bibliothèque de Monsieur.
Au siècle des lumières, l’étude des sciences, des arts, de la philosophie, le goût des objets exotiques, composent les passe- temps des gentilshommes, et souvent de leurs épouses.

Présenté dans le boudoir de Madame, pour rédiger sa correspondance, admirons ce merveilleux bonheur du jour de travail admirable signé Martin Carlin, alliant bois de rose, érable ondé, amarante, bronze ciselé doré, tendre porcelaine de Sèvres. Sur le plateau un bien joli flambeau -encrier en bronze doré.

Rappel historique : elle ne s’impose qu’en milieu du XVIIIe siècle comme lieu destiné exclusivement à la prise de repas, sur une table encore à tréteaux.
Cinq vagues de plusieurs plats composent le « service à la française » répondant aux règles de l’époque.
Attardons-nous devant cette table d’apparat pour admirer, entre autres :

L’après-souper nous conduit au Salon de Compagnie et au Petit Salon.
Si la pratique de la musique donne lieu à de petits concerts interprétés par Madame et quelques amis aussi musiciens pour clore harmonieusement la soirée,

Une fois passé ce moment, les invités pourront se partager.
Si certains se consacrent l’art de la conversation, au sens propre du terme au XVIIIe et pratiquée par tous les beaux esprits.
D’autres préféreront s’adonner au jeu.
Les nombreux exemples en illustrent toute la diversité.
Jeux de hasard, loteries telle la cavagnole, jeux de cartes, ou tables de trictrac, témoignent de cette passion répandue à la cour de Versailles et l’aristocratie depuis le XVIIe siècle,

  

Signée Benneman, voici cette table de trictrac avec son plateau de feutrine et ses tiroirs pour ranger diverses pièces. Elle rappelle le succès de ce jeu, le préféré de Louis LVI, auprès des dames comme des messieurs.

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Confinés dans d’étroits espaces à l’éclairage incertain, on ressort de cette exposition avec le sentiment d’un travail sans esprit, conçu et destiné à l’initiation d’un public scolaire ou ... ignorant.

Présente depuis longtemps à chacune des précédentes exposition du MAD, toujours parcourues et commentées avec enthousiasme par Lulu,
Celle-ci, en dépit de quelques trésors sortis de réserves, mentionnés plus haut, s’avère très en dessous du niveau habituel de ce lieu tant apprécié.
Dépit et déception.

Lulu n’a jamais caché son admiration inconditionnelle pour Alaïa régulièrement célébré dans ses chroniques depuis 2014 à l’occasion de sa rétrospective au Musée Galliera.
Ce même Musée, en 2023, nous révélait le grand collectionneur, généreux, attentif, respectueux de ses prédécesseurs et contemporains.

Passé à la Fondation, le brillant Olivier Saillard y organise régulièrement des expositions.
Aucune n’a déçu Lulu, cette dernière l’a enchantée.
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De Dior boutique, celle à manches courtes, jupe large, ceinture à pans frangés, date de 1957, celle d’Alaïa, de 1958, marque les débuts du couturier avec sa griffe « manuscrite au stylo » .
L’évidence des similitudes de style s’impose.
Elle illustre la réelle fascination d’Alaïa pour Christian Dior depuis sa jeunesse en Tunisie.
A son arrivé à Paris, il fera un court passage dans les ateliers de l’avenue Montaigne.
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Douceur des beige rosés pour les modèles suivants : pour ce manteau du soir (de 1958) de satin duchesse, un long nœud ponctue le décolleté dans le dos.
Idée reprise et réinterprétée en 1965 par Alaïa sur cette robe longue de satin ivoire toute en fluidité : mutin, un petit  nœud fait office de fermeture à la longue fente du dos.
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Broderies. Époustouflantes chez Dior, perles rocaille et perles tubes sur organza ornent « Romance » ravissante robe à danser bustier,
Disposées en croisillon sur une mini robe à fines bretelles, terriblement sexy et provocante celle créée par Alaïa pour Tina Turner sera immortalisée sur la photo de Peter Lindbergh réunissant ce duo explosif.
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Chacun d’eux partagent une prédilection pour la faille et le satin noir.
Interprété par Dior avec une féminité délicieuse sur « Secret » robe de 1952, en 2008, chez Alaïa une évidente sensualité se déploie sur cette robe moulante, jupe entravée avec, devant, un savant effet de quille pour devenir traîne : superbe.
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Bouillonnés, plissés, godets, voilà encore sujets à émerveillements :
Chez Dior, le bouillonné drape élégamment le devant de jupe de « Zerline », robe de taffetas de soie,
​Jouant de l’effet de transparence, Alaïa le travaille sur les hanches dans un léger voile de velours.
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et, celles d’Alaïa, aux broderies « techniques », perforées au laser sur satin doublée de voile chair avec sa jupe froncée montée en cascade à l’effet non moins féminin.
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Dessus/ Dessous. Voici un des exemples les plus étonnants du « génie » de réinterprétation d’Alaïa.
​Les robes de Dior tenaient « toutes seules », c’est exact.

Leur secret : la conception et la réalisation de leurs « dessous » véritables architectures d’un raffinement absolu, non sans rappeler la passion du couturier pour le XVIIIe siècle.
Bustiers baleinés, jupons superposés associant tulle, pongée de soie, organza, tarlatane (dans les ourlets) en font de véritables pièces de Haute Couture.

Un souffle léger se dégage de ces deux modèles pour la belle saison. Si la subtilité de leurs coloris n’apparaissent pas sur les photos, l’organza de soie rose pâle pour le modèle Dior »Nuit de rêve » de la ligne « Muguet( 1954) avec son encolure bateau, corsage ajusté, ceinture gracieusement nouée, douce ampleur de la jupe, le modèle présente bien des similitudes avec celui d’Alaïa traité en taffetas de soie crème de 2008.
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Il en est de même pour ces imprimés dans de discrets « fondus » : paysagés hachurés pour « Lisbonne »,en twill bleu pâle, ligne Tulipe (1953) plis sur la poitrine, et plissé soleil émergeant des plis creux de la jupe, à motifs abstraits, en relief, sur pongé de soie noir chez Alaïa.

Parure incontournable depuis des siècles, aujourd’hui mécanique, voici la Dentelle.
​Les trois modèles ici réunis composent un tableau des plus révélateur.

Rouge et Noir ont toujours formé un duo de choc.
Sans conteste, le modèle d’Alaïa, avec sa jupe à volant, traité en velours floqué à décor de fleurs rouge et noir sur fond bleu, Haute Couture 2017, surpasse pour une fois celui de Dior « Tulipe »,de 1953 , plus convenu.
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S’ils apparaissent dans une déclinaison très différente chez chacun, les Volants n’en sont pas une constante avec l’Espagne andalouse pour référence.
Travaillés dans une maille viscose, moulante à souhait, d’un rouge profond, Prêt-à-porté 2013, « souvenir d’une soirée dans les jardins de l’Alhambra » elle côtoie « Andalouse », la bien nommée, Dior Haute Couture 1955, avec cette jupe à volants asymétriques, d’esprit « gitane ».
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Autre similitude, indémodables et de bon goût, les Pois.
Christian Dior les introduit dans sa première collection :
« Ils apportent charme, élégance, décontraction, et sont toujours à la mode »
Ils deviennent signe distinctif de la maison comme le précise la Galerie Dior.
Deux modèles simplissimes et non moins réussis en forment le premier exemple.

Illustration de leur parfaite maîtrise du « Flou », chez Christian Dior, la mousseline de soie vert d’eau de « Maxim’s » ligne Aimant, 1956, décline un savant drapé sur jupe sous un corsage ajusté à bretelles doubles, noué sous sous la poitrine,
​Alaïa associe la viscose et la soie lamée vert céleste pour ce modèle de 1989, au corsage noué à la taille sous un profond décolleté dos nu et jupe virevoltante.

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Structuré à souhait, voici enfin évoqué, L’art du tailleur.
​Le modèler « Bar » de la première collection en 1947 apporta aussitôt à Dior une célébrité mondiale.

​Femme-Fleur pour Dior,
Sensuelle et affirmée pour Alaïa,
Une seule certitude chez chacun d’eux :
Une femme-femme, toujours « sublimée et célébrée ».
Une femme « séductrice », reflet de son époque.


Réconfortant au vu de la mode d’aujourd’hui.


P.S. Les « aficionados » devront absolument poursuivre leur visite à la Galerie Dior pour découvrir l’autre importante exposition consacrée à ces couturiers.

Cette très importante exposition ambitionne d’illustrer chacun de ces différents « composants » de la mode depuis le XVIIIe siècle jusqu’à nos jours.
Divisée en deux sections, la première, aussi révélatrice de l’évolution du « goût », réunit par thème les modèles des collections de Galliera. La fleur, déclinée sous toutes ses formes, en constitue un des éléments omniprésent.

Indispensables jusqu’à aujourd’hui dans l’élaboration de la haute couture, en fin de parcours, la deuxième partie rend un hommage pleinement justifié aux différents métiers, souvent méconnus, des maisons emblématiques d’un savoir-faire d’excellence : brodeurs, plumassiers, paruriers etc...

Deux modèles somptueux se font face en ouverture de la première partie :

La Dentelle.

Long et délicat travail à l’aiguille ou au fuseau sur un support temporaire, la dentelle, jusqu’à sa mécanisation débutée au milieu du XIXe siècle, est longtemps restée un rare et coûteux ornement d’apparat réservé à la noblesse ou au clergé.

Dans une vitrine toute de séduction, voici l’illustration de sa surprenante diversité en dentelle de Chantilly noire (mécanique) cette gracieuse robe de bal et son talma (châle immense) du Second Empire.

De la fin du Second Empire, une robe d’été blanche, probablement portée par la Princesse Mathilde, présente un décor floral brodé verticalement alternant avec un entre-deux en dentelle de Cluny, une variété de la dentelle du Puy. Le lin associé au coton pour les broderies, démonstration d’un travail étonnant, lui confère son style frais et estival.

Dans un registre bien différent Nicolas Ghesquière pour Balenciaga, signe en 2006 cet ensemble de la collection printemps-été, veste, pantalon et corset en organza brodé et effilé, tulle, incrustations, entre-deux, volants de dentelle mécanique : première illustration de l’évolution actuelle d’une silhouette peu flattée

Impossible de clore ce chapitre sans un coup d’œil aux ravissants accessoires, tous en dentelle, ici réunis : mouchoirs en dentelle de Bruges ombrelles en dentelle de Bruxelles, et grand col en dentelle à fond craquelé, dite « guipure de Venise »  du marchand- fabriquant- Lescure à Issoire vers 1900-1910.

Fleurs artificielles. 

Abordé à partir d’un dessin de Paul Iribe, issu du luxueux album « Les robes de Paul Poiret », voici un chapitre consacré aux fleurs artificielles.

Dernière planche du recueil commandé par ce couturier résolument novateur, l’accent porte sur la rose piquée au décolleté. Stylisée, elle deviendra emblème de la maison, comme plus tard le camélia pour Chanel, le muguet pour Christian Dior.

Un cartel historique nous rappelle que « La confection de la fleur artificielle remonte au Moyen Age, et que l’Italie fut reconnue comme le berceau de cet artisanat. La France au XIIIe siècle voit croître la popularité du travail des artisans bouquetiers ».
Une vogue en accord avec le goût pour la botanique du Siècle des Lumières.

Si Rose Bertin, célèbre marchande de mode en propose pour orner coiffures et habits, le peintre Pierre-Joseph Redouté, dont une aquarelle de rose est exposée, reçu le titre de « Le Raphaël des fleurs ».

La mode se démocratisa au siècle suivant, avec la rationalisation des moules et emporte-pièces. Ce savoir allait jusqu’à concerner l’éducation des jeunes filles par la diffusion de la presse spécialisée dans les travaux d’aiguilles.

Une série de chapeaux d’été agrémentés de fleurs artificielles, Capelines, bibis, capote, en donnent l’illustration.
Jusque dans les années soixante de nombreuses modistes créaient des pièces uniques pour leurs clientes le chapeau faisant partie d’une bienséance excluant de « sortir en cheveux ».
Réduits à un rôle de confort contre les intempéries, l’usage, comme celui des gants, en est aujourd’hui totalement tombé en désuétude (exception faite des grandes cérémonies).

Mais revenons aux Fleurs artificielles et rêvons devant les exquis escarpins de Roger Vivier, et remarquons la diversité des fleurs réunies dans les vitrines dédiées :

La collection d’Hortense Dumas-Baudon première vendeuse chez Worth et celles de Noémie Fromentin, créatrice de la maison éponyme en 1902 aujourd’hui « Entreprise du patrimoine vivant » nous en offrent quelques exemples.

Imprimés.

Un nouveau parallèle nous confronte aux années lumières qui séparent les styles de Balenciaga et Nicolas Ghesquière, son successeur.

 
Passons aux années 1911-1912, avec Fortuny chez Babani. On connaît le talent du couturier pour ses recherches dans le domaine textile dont ses plissés éponymes. Ici cette abaya de forme résolument orientale et de coupe simplissime sublime les bordures fleuries imprimées or par estampage.

Plus ancien, admirable de raffinement, voici cet autre modèle de robe à la française en taffetas chiné à la branche pour obtenir ces bordures floues et cette robe du Second Empire : qui perpétue l’esthétique du XVIIIe avec ses bouquets de roses et guirlandes « Pompadour » en taffetas de soie impression à la chaîne. Ce procédé nécessite plusieurs étapes d’application à la planche après tissage.

 
Broderies. 

Attaquons avec gourmandise le riche chapitre broderie. Il nous réserve de belles surprises, mais aussi quelques ...déceptions contemporaines.
Apprenons tout d’abord que : « la broderie est un langage présent dans toutes les cultures bien avant l’écriture. ...Le premier exemple connu remonte à 34 000 ans avant notre ère sur des vêtements ornés de perles d’ivoire découverts en Russie ».

Subtile conjugaison de sa richesse et de l’experte imagination des brodeurs, (toujours pratiquée aujourd’hui par les maisons maisons Lesage, Hurel, Montex, Rébé ) la broderie donne relief, couleur forme à l’étoffe.

Les innombrables « points » constituant sa déclinaison : points passés, points de nœuds etc, les différents matériaux utilisés : perles, paillettes, tubes de verre, reflètent aussi l’évolution des tendances de chaque époque.

En apothéose, voici une profusion florale (pivoines, tulipes, volubilis)  somptueusement étalée sur un fond bouton d’or moiré.

Pire, de Rei Kawakubo pour Comme des garçons, mais de lui rien ne surprend, sa robe, à l’esprit Punk, retenue pour l’affiche nécessite d’en faire le tour complet.
Trois lourds et massifs volumes superposés rappellent les « paniers », les fleurs géantes traitées en lurex, les motifs végétaux, la silhouette, celle de la rupture de la révolution... un message porteur, mais portable ? La question se pose.
Touche finale à ne pas négliger : la paire de baskets à poils.

Passé ces distrayants intermèdes, autre exemple de broderie, la Cornely, machine à broder, a exécuté ces motifs finement élaborés et applications sur le fragile crêpe de soie de cette robe vers 1923.

Alliant tapisserie et ruban tuyauté voici de bien coquettes pantoufles, (vers 1860).
Tout aussi charmantes ces mitaines vers 1850 allient savamment tricot de soie, broderie et dentelle, et de la fin du XVIIIe, d’une rare délicatesse, cette pochette de taffetas et ruban de soie se pare d’une légère broderie bordée d’une cordelette de fils métalliques.

Toutes précieuses, toutes brodées au fil métalliques, tenues d’apparat et échantillons nous révèlent l’abondance d’un savoir faire au service d’une volonté économique : la restauration des industries du luxe après la Révolution.

Toutes en fleurs.

Nouvelles perplexité devant cette vitrine encore consacrée aux fleurs sous la rubrique « Toutes et tous en fleurs » ;

Encore séduisante, avec son spirituel pouf piqué d’un bouquet, la robe de Christian Lacroix pour Patou répond à un modèle imprimé de fleurs à basque drapée, de Poiret, fin XIXe.

Esthétique contemporaine, plus que contestable pour Lulu, deux ensembles complètent la vitrine. L’un de Demna Gvasalia pour Balenciaga (quelle valse de créateurs) se compose chemisier, jupe et paire de cuissardes d’un travail compliqué, raide et disgracieux recourant au crêpe natté, brodé, fibres synthétiques et lurex, pour les broderies et ce clownesque ensemble de Walter Van Bereirendonck, veste jaune vif à col châle sur blouse et pantalon aux imprimés patchwork de grosses fleurs vertes et rouges d’une évidente vulgarité. 

Mais partons vers d’autres destinations toutes d’exotisme.

Au premier plan un châle de Manille. Précisé sur le cartel son origine provient du commerce au XVIIIe entre l’Asie et l’Europe via la route du galion reliant Manille à Acapulco.
En Espagne, il deviendra symbole d’élégance, et pièce emblématique du costume andalou.
Venu de Chine, en crêpe de soie, les fleurs brodées aux couleurs vives sont d’inspiration asiatique avec ses longues franges en fil de soie en font bel exemple.

Après deux siècles d’isolement en 1854 le Japon s’ouvre à nouveau au monde et exporte des étoffes que la France sait employer avec talent.

Cette visite de Dieulafait, de 1880, bordée de longues franges en fil de soie gaufré et filés métalliques, est coupée dans kimono de femme de samouraï. Avec discrétion l’étoffe déploie ses branchages et fleurs typiques (prunus, chrysanthèmes, pivoines) tissées et brodées sur fond de satin de soie. 

Le tissage.

Il nous reste encore un chapitre, et non des moindres : le tissage.

Sa pratique remonterait à 7000 ans avant notre ère.
La technique se définit par « l’entrecroisement de fils pour former un tissus ».
Au cours des siècles, son évolution n’a cessé de se perfectionner et de s’enrichir : liseré, lancé, broché embellissent l’étoffe. La machine Jaquard en 1801 à Lyon, capitale de la soie, révolutionne le tissage, donnant naissance à des motifs toujours plus complexes nécessitant une étroite collaboration entre le peintre, auteur du dessin transposé sur papier réglé par le dessinateur, suivie de l’intervention du teinturier avant exécution par le tisseur.

Divine, une robe à la française en satin « liseré latté » et passementerie de soie.

Non moins éblouissante, une robe Second Empire de taffetas de soie changeant damassé illustre l’opulence retrouvée durant ces années, « véritable âge d’or de l’industrie lyonnaise ». Admirons ses dégradés de bruns formant tout un jeu d’ombres et de lumière. 

Inventé en 1946, venu d’Amérique voici le lurex, « matériau « miracle ». Fabriqué grâce à la « métallisation sous vide » il se tisse facilement et ne se ternit pas.

Refusant de terminer sur ces notes déprimantes, choisie par Lulu dans la deuxième partie de l’exposition consacrée aux Métiers d’Art, restons sur l’image de la cape d’Yves Saint Laurent de la collection printemps été 1989 admirablement brodée par Lesage. Véritable ode aux couleurs vives de la nature marocaine et à la luxuriance du jardin de la villa Majorelle, ses fleurs réalisées en application de ruban et de motifs découpés en satin et taffetas, broderie au passé, broderie de perles et paillettes, laissent imaginer la virtuosité exigée. 
Magistrale illustration d'élégance.

A la fois rupture avec l’Art Nouveau et inspiré de perfections anciennes,
Répondant aussi à la nécessité d’adaptation à la vie « moderne » après la Grande Guerre,
l’Art Déco se manifeste dans tous les domaines de la création.
L’exposition, internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 en marque une sorte d’apogée. Quinze millions de visiteurs s’y rendront.

Foisonnante, l’exposition du centenaire en consacre l’importance dans toute sa richesse et sa diversité.

Également mise en valeur dès le début du parcours, l’importance occupée par les arts du feu, verrerie et céramique, avec, entre autres, le « vase perruche » de Lalique, et le vase de grès émaillé tourné de René Buthaud.

Curieusement, et révélateur de sa « force de frappe », la deuxième salle est exclusivement consacrée à la maison Cartier, témoin des changements dans le domaine joaillier, aussi présents chez d’autres créateurs. (Lulu de 2023 « un art nouveau, métamorphose du bijou »).

Association audacieuse de couleurs et de matériaux, formes épurées, voire géométriques, se retrouve sur cette broche stylisée « coupe de fruits « en platine, or diamants, émeraudes, rubis, émail, ou avec ce bracelet plus tardif associant platine, or blanc, argent, diamants et turquoises.



Une « grammaire visuelle », décline à la suite les différentes inspirations et techniques.

Les bouquets de fleurs se retrouvent sur l’abattant d’un cabinet de Jean-Henri Riesener du XVIIIe  et la façade du cabinet de Jacques-Emile Ruhlmann de 1922.

L’antiquité sert de motif aux broderies « vase grec » de cette robe de Madeleine Vionne. 

L'exotisme caractérise la chaise de Armand -Albert Rateau, en bronze patiné et fourrure d’ocelot.

Le rapprochement entre ce trône Fan, ancien royaume du Dahomey, fin XIXe et la chaise « africaine » de Pierre Legrain, de1924, en palmier, laque, parchemin souligne l’évidence de l’inspiration africaine.

La géométrie caractérise cette édition d’un « tissus simultané » de Sonia Delaunay, expérience « hors chevalet » de ses réalisations destinées à la décoration intérieure, exposées dans sa boutique « Simultané » en collaboration avec le couturier Jacques Heim.

Faisant partie du bestiaire art-déco, voyez ces perroquets sur le papier du célèbre dessinateur Georges Barbier et ces fiers paons sur la grille « paons »du ferronnier Léon Conchon éditée par Schwartz-Haumont.

Un petit retour en arrière nous décrit les prémices de l’Art déco manifeste dès le début du XXe siècle.

L’art, avec le fauvisme, le cubisme, les découvertes archéologiques, les expositions d’arts extra-européens composent ses nombreuses sources d’inspiration, caractérisées par une volonté de simplification et de stylisation des motifs déjà évoqués.

De Paul Iribe, toujours laissons-nous séduire par sa bergère, de 1912, aux accoudoirs finement sculptés de fleurs, 

et par la ligne dynamique de cette chaise longue de Paul-Frédéric Follot, 1912.

Au chapitre art de la table, cet imposant surtout « grenouille » de René Lalique, 1905 nous surprend encore.

Sont encore abondamment illustrées, les influences des Ballets Russes de Diaguilev avec ses décors et costumes très colorés et chorégraphies « révolutionnaires ».

Il est amusant de découvrir cette affiche de Jean Cocteau créée pour « le spectre de la rose » en 1911 et les dessins stylisés de la saison 1913 de Fedorowsky, ce costume à l’exotisme débridé de Léon Bakst de 1911.

Réunis au Niveau 3 une suite impressionnante d’ensembles attend le visiteur.
Certains font partie des collections permanentes du musée.

Chez Nelly de Rothschild, les meubles spécialement conçus par Clément Mère et Clément Rousseau se caractérisent par la richesse décorative, voire la surcharge, d’ornementation force ivoire sculpté, galuchat, corne, cuirs laqués, gaufrés, soie. Représentatifs, ce pare-feu de Clément Mère en ébène de Macassar, ivoire gravé et patiné, soie brodée et cette chaise de Clément Rousseau de palissandre galuchat et soie.

A la suite, l’ensemble des meubles commandés par Jacques Doucet témoigne de façon spectaculaire du changement radical chez ce couturier collectionneur .

Délaissant le XVIIIe au profit de l’art déco, il forme un nouvel écrin pour ses « nouvelles » collections de peinture moderne :
Rappelons qu’il fut le premier propriétaire des « Demoiselles d’Avignon » de Picasso.
L’audace et l’originalité caractérisent l’ensemble de ce mobilier exceptionnel.

L’indépendant Marcel Coard, recouvre de python le plateau de son bureau plat, Paul-Louis Mergier, crée cet étonnant meuble d’appui de maroquin vert du Cap, bois laqué incrustations de coquilles d’œuf, et passementerie en soie et fil d’argent, devant lequel se dresse un original un vide-poche d’acajou laqué rouge et noir inspiré de l’art africain de Pierre Legrain, aussi créateur de ce grand meuble d’appui aux lignes épurées orné de motifs stylisés de laiton doré et argenté.

Autre élément à la mode, le parchemin recouvre les tiroirs de ce léger bureau de dame, à gradin, de bois laqué de Jean-Charles Moreux.

Le « chapitre » suivant consacre le rôle représentatif de La Société des Artistes Décorateurs lors de l’exposition de 1925 : l’occasion de présenter la multitudes des nouvelles tendances, les différents courants, dans la conception « d’une Ambassade Française » opposant, d’après la presse d’époque « Contemporains /modernes, traditionalistes/rationalistes, coloristes -décorateurs/ingénieurs-constructeurs ».

Voyez les croquis du fumoir en laque de Dunand ou le petit salon de Maurice Dufresne et plus moderne ce projet de hall de Mallet Stevans.

Toujours dans le cadre de l’Exposition de 1925, exceptionnel, car reconstitué dans sa totalité, le bureau- bibliothèque conçu pour l’appartement privé de l’Ambassade de Pierre Chareau, architecte- décorateur, et Eugène Printz, ébéniste eréchauffé des rideaux d’Hélène Henry aux motifs « briques » tissés avec de nouvelles matières artificielles mélangées au coton.

D’une fonctionnalité novatrice, un plafond en « éventail » permet de moduler la lumière naturelle, les divers rangements du bureau s’escamotent.

Représentatif de l’art du tapis, les motifs imaginés par Ivan da Silva Bruhns, aux couleurs sobres, relèvent véritablement de l’abstraction.

 

Dans les objets de décoration, remarqués entre autres, de l’orfèvre Jean Després, fasciné par la mécanique (cf l’ exposition de 2009) deux solides bougeoirs en métal et un élégant soliflore d’étain martelé, et de Marcel Goupy, créateur, ce service à liqueur aux lignes futuristes.

A tout seigneur tout honneur.
Présentées au salon dans un pavillon de Patout, place aux créations de Jacques-Émile Ruhlmann.

Souvent comparé à Jean-Henri Riesener, célèbre ébéniste du XVIIIe siècle, déjà cité, Jacques-Emile Rulhmann n’emploie, pour en incruster ses meubles, que les essences les plus nobles et précieuses :
chêne, acajou, ébène de Macassar, loupe d’amboine, ivoire, corail etc...

Point de répit.
Dans l’aile suivante, deux salles « personnelles » consacrent deux « icônes » de l’art déco :
Eilen Gray, (célébrée en 2013 au Centre Pompidou), ouvre cette nouvelle galerie de l’exposition.
Particulièrement célèbre, son fauteuil « Sirène », datant de 1912/ 1913, marque ses débuts avant une évolution toujours plus moderniste.

Né de sa collaboration avec la couturière Suzanne Talbot dans un dialogue complice voyez ce paravent « brique » de bois laqué, modulable, emblématique de leur audace décorative. 

 Précurseur dans l’utilisation des tubes métalliques, elle les utilise pour l’ensemble du mobilier de sa Villa E-1027 , construite avec Jean Badovici, construite en 1926.
S’y affirme une volonté résolument novatrice dans les matériaux et les formes, et l'ambition « d’afficher » une unité tant extérieure qu’intérieure » dans une sobriété quasi monacale. L’armoire, la table à thé, la coiffeuse. Moins austères, le banc, bois laqué teinté, et le paravent de bois laqué feuille d’argent.

Jean-Michel Frank occupe l’espace suivant.

Les Années folles.
Paris est une fête . L’influence de l’art déco conquiert aussi les arts de la scène, avec la découverte du jazz, une nouvelle liberté, des fêtes débridées. les affiches, les décors, et le cinéma. Un bel exemple nous est donné avec cette affiche orphiste de Joël Martel, sculpteur, et Pierre Zénobel, affichiste, pour Nana de Herrera.

Au Quotidien
Vulgarisation initiée par les Grands Magasins, débordant les cercles des« initiés » et des nantis, le nouvel art de vivre veut aussi séduire le grand public malgré des prix encore élevés. Ces éditions portent souvent la signature des plus grands décorateurs de l’époque. 

Un élégant ensemble bureau et fauteuil de Mallet Stevens, et sa lampe de Jacques Le Chevalier ou cette chaise torturante avec ses sangles élastiques pour assise et dossier la pivotante, très fonctionnelle, de Charlotte Perriand ou celle résolument rudimentaire mais longtemps éditée par Tubor en sont d’intéressants exemples.

Carte Blanche à Jacques Grange.
Profusion, accumulation finissent de brouiller notre vue déjà saturée par quatre heures de visite.
Bien établi, faisant autorité auprès des grands collectionneurs, on connaît le goût du décorateur qui manifeste dans sa présentation une élégante forme d’éclectisme associant divers courants. On aurait davantage apprécié arriver l’œil frais et vif, peu importe, l’effet est somptueux : qualité et abondance rivalisent dans un cadre lumineux.

   

Mes lecteurs me pardonneront de ne pas m’être attardée à la dernière section essentiellement consacrée à « la résurrection » de l’Orient Express, une réalisation d’un luxe incontestable mais d’un goût discutable.
Trains et croisières ne sont pas oubliés. Aucune découverte fondamentale.

Pour conclure, seul le haut wagon dressé à la verticale sous la rotonde du musée confère à la section une jolie touche d’originalité.

​Royale, exposées sur un piédestal, une paire de chenets en bronze destinés aux appartements de Louis XV au château de la Muette ​

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Art Premier 
Belle sélection chez Schoffel de Fabry dont ce masque schématique de Timor, Indonésie  ce masque Sépik d’Océanie Nouvelle Guinée à nez effilé tel un bec crochu. 
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Amateur de primitifs, chez Sarti  comment ne pas être émus par le recueillement de deux évangélistes sur fond or de Zanino di Pietro, déjà mentionné l’an dernier ou ce diptyque tout de religiosité du Maître de Mirasole , éblouis par la luminosité des ors du triptyque d’un Maître Vénitien  début du XVe. 
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Lumineuse, la Nature morte devant le fenêtre », Bazaine de 45,46 s’impose à nos yeux. ​

Notons la présence de Lanskoy toile de 45,46,  et oublions  le Mathieu, composition de 61. ​

Singulier par rapport à tous les autres exposés chez les confrères, notons aussi leur magnifique Veira Da Silva « Les tours de verre » ​

Accrochage de qualité chez Najuma dont cette « Composition » de Bissière dans les bleus et ocres, un sensible Degottex sur fond blanc, 
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Eclectisme commercial troublant chez de Sousy où ce pichet et ce dessin de Picasso.
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​Actuellement fermé pour restauration, le Musée Nissim de Camundo expose  quelques trésors issus des ses collections dont une exquise table en cabaret signée Roger Vandercruse, dit Lacroix, avec ce dessus en porcelaine de Sèvres aux si délicats motifs fleuris et la superbe paire d’encoignures, avec panneaux de laque noire du Japon signé Bernard Vanrisemburgh dit BVRB. 
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Stupéfaction au stand voisin devant le monumental buffet historié, fin XIXe présenté par Trebosc & Van Lelyveld. Collaboration entre la sculptrice d’origine suédoise Agnès de Frumerie et du céramiste virtuose Adrien Dalpayrat (aussi étrangement présent chez Perrin) : « Il allie la rigueur architecturale d’une structure en chêne massif à l’expressivité sensuelle à des plaques et sculptures en grès émaillé réalisées à quatre mains ».
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Au chapitre « Mobilier Moderne », dont la mode et la cote ne se démentent pas, 
 
Alain Marcepoil consacre à nouveau à André Sornay, un des fondateurs du Modern Style, en lui dédiant la totalité de son stand.
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Dans un joyeux mélange Robertebasta célèbre les années 5o. Retenus entre autres : une paire de fauteuils de Gio Ponti et Giulio Minoletti, une rare lampe de Max Ingand, même époque, 
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Par souci d’épure, pas de cartel pour le mobilier suédois chez Gokelaere et Robinson. 
Voici le canapé de Fritz Henningsen,   en cuir fauve, petits accoudoirs intérieurs, et salle à manger de Finn Juhl. 
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 A l’intérieur, trois pièces de Jacques-Emile Ruhlmann, dont le célèbre chaise longue sur skis  et ce riche cabinet – coffre en ébène de macassar sculpté et doré à la feuille.
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Suivent d’André Groult, un secrétaire à motif géométrique en ébène de Macassar et du Gabon. 

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La sobre modernité des créations de Pierre Legrain telle cette console en métal perforé nickelé et plateau de verre, répond la fantaisie manifeste du fauteuil « nouille » de Paul Iribe près de sa commode en galuchat. 
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Place aux années 50-70 chez Jousse. qui réunit un ensemble original, bar perforé et tabourets de Mathieu Mategot surmonté d’une applique à 4 bras de Mouille, un mobilier complet de Pierre Paulin des années 70 et quelques pièces disparates de Charlotte Perraind  (tabouret bas Berger) ou un brise soleil en aluminium peint de Jean Prouvé. 
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En face, Jean-Marc Lelouch propose l’unique Jacques Villeglé, membre du mouvement « Nouveau Réalisme,   le seul Takis, et un amusant fauteuil violon d’Arman, peu présent cette année. 
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​Côté Livres anciens, pour les amoureux de Proust, Jean Baptiste de Proyart expose « Du côté de chez Swann » précieux envoi de l’auteur à Maurice Denis à côté de sa dédicace à Anatole France, modèle de Bergotte .
Autre rareté, un exemplaire des « Mémoires d’Outre tombe » de Chateaubriand, aux armes de la Duchesse de Berry. 
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​Suivant les allées nous voilà chez Jean-François Cazeau. Surfant sur l’actualité, comme nombre de ses confrères,  il met en vedette Nicki de Saint Phalle, exposée non loin dans ces mêmes murs.  
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Muséal comme toujours, curieusement relégué au fond du « carré Or » le grand stand de Landau Fine Art. 
Marino Marini, trop peu vu depuis l’exposition de Lausanne en 2019 (Marini, Giacometti, Richier) , y retrouve une place d’honneur avec « Cavalière »  jouxtant « Clairière «  d’Alberto Giacometti, ensemble magistral.

Exceptionnelle, toute en courbe adoucies, l’entière plénitude sensuelle de Laurens pourrait se résumer à « Femme nue couchée » Milestone unique.
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En peinture, « Les Dormeurs », splendide  Picasso, « Femme assise » de Giacometti, deux Dubuffet tout en matière, ne dérogent en rien. ​

Après cette « étape » marquante, pause décorative chez Pascal Izarn, qui se distingue dans sa spécialité : les porcelaines montées en porcelaine de Chine, Japon, ou européennes ornées de montures de bronze doré du XVIIIe . La garniture composée d’une paire d’aiguières et d’un vase en porcelaine de Chine bleu poudré, cette paire de vases couverts montés sur bronze doré d’époque Louis XV, en porcelaine de Chine, sur monture du XVIIIe en sont deux exemples d’un extrême raffinement.
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Retour à la peinture ancienne chez De Jonckheere et de Voldère, les spécialistes de la peinture hollandaise et flamande que l’on ne présente plus. 
Beaucoup de tableaux déjà remarqués lors des précédentes éditions, tel ce Corneille de Lyon chez le premier. Sujet plus surprenant pour Jan Brueghel le Jeune, une « nature morte aux fleurs des champs », chez la seconde. 
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​On ne peut ignorer les gravures de Paul Prouté.  L’emblématique « Enseigne de Guersaint » d’Antoine Watteau, a tout de suite trouvé preneur. Tragiques,  les « Lamentations sur Christ mort » de Dürer,  nous étreignent. 
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​Créatrice des bijoux les plus baroques, toujours méfiante, Lydia Courteille interdit les photos de ses créations. 
Il en va  autrement chez Hélène Langlois.   
Le newyorkais, idole de collectionneurs tels Jacky Kennedy ou Andy Warhol, Seamann Schepps y occupe la totalité des vitrines. Ses bijoux originaux, massifs, osent d’audacieuses associations de couleurs, non sans charme. Les clous parsèment perles ou nacre de coquillages. Incontestable originalité d’un style surprenant.
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Alliant audace, et classicisme revisité,
créativité et sensualité,
savoir-faire et inventivité,
Mugler et Alaïa ( avec Gaultier et Montana) n’ont pas fini d’enchanter Lulu.

Après leurs inoubliables rétrospectives personnelles :
Alaï à Galliera, Lulu de septembre 2013,
Mugler au MAD, Lulu d’octobre 2021,

Après avoir évoqué entre autres, les « influences » de Madame Grès ou de Balenciaga sur Azzedine Alaïa, aussi grand collectionneur, Lulu de février 2019,
Olivier Saillard, le directeur de la la Fondation, nous propose cette fois une « rencontre » entre deux contemporains complices et singuliers à la fois.

On doit à Mugler d’avoir joué un rôle déterminant dans le lancement de la carrière d’Alaïa.
Pour sa collection automne-hiver 1979-1080, il invite Alaïa à créer ses smoking, cite son nom dans son dossier de presse.
En 1982, il le persuade de présenter un défilé à New-York, chez Bergdorf Goodman.

Jamais trahie, la gratitude d’Alïa sera à l’origine de leur indéfectible amitié,
Une connivence pleinement exprimée dans leurs collections,
Vision affirmée d’une « Femme, femme »,
à la fois sublimée, dominatrice, sexy et conquérante.

Voyez ces smokings, quel chic, quelle coupe.
Taille de guêpes et basques sophistiquées,
Mugler joue les découpes blanches pour éclairer sa veste,​

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Toute la douceur du tulle plumetis nimbe de transparence le décolleté et volante le bas de jupe d’un ensemble du soir signé Mugler
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​Place aux femmes sirènes
Chez Mugler, comment résister à cet élégantissime fourreau en panne de velours noir au dos dénudé souligné d’ un profond drapé bénitier de satin rose orné des roses ?

​Impossible d’échapper au charme vénéneux de l’animalité :
La femme python moulée en robe longue de jersey de Mugler,
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Scintillant du feu de ses drapés plissés de lamé, l’or encadre le visage, ceint les hanches, s’ouvre en quille sur le devant, et termine le bas des manches d’un somptueux fourreau de jersey de laine marron de Mugler
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​L’or brille encore, dans ce subtil travail de superpositions de lamé et résille pour Alaïa
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Impardonnable, l'oubli de ces virevoltantes jupes patineuses déclinées pour Alaï dans une savante association de maille de laine et cuir d’agneau beige doré et frangé comme celle en maille jacquard à motifs géométriques beige sur fond brun, tout aussi époustouflante.

Concluons par les incontournables vinyle et jean.
Chez Mugler, le vinyle, posé en bandes terminées en pointes d’inégales longueurs, scande cette incroyable veste en maille,
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​Le jean s’illustre chez Alaïa sur une robe « style perfecto », de loin pas ma préférée.
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On quitte cette endroit, un peu secret, véritable caverne d’Ali Baba,
nostalgique de cette mode ultra féminine, sophistiquée à souhait, sexy en diable, provocante et espiègle à la fois, incroyablement virtuose.
Tout un concentré de séduction, regretté toujours.

​Prestigieuse adresse.
Associé au suédois Bobergh, en 1858 ils s’installent au premier étage du 7 rue de la Paix, à proximité du palais des Tuileries, adresse demeurée jusqu'à nos jours l’intact symbole du luxe et d’élégance.
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Après ces quelques rappels historiques, place aux créations qui s’exposent devant nous.
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Une première vitrine nous fait pénétrer d’emblée dans l’univers du légendaire tableau de l’Impératrice Eugénie entourée de ses dames d’honneur peint par Winterhalter.
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​​Elles éblouissent le spectateur, en justifient le prix exorbitant.
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En 1870, après la séparation d’avec Bobergh et la chute de l’Empire, Worth poursuit son ascension auprès de l’élite de ses contemporains sous la troisième république.
Un Rayonnement que vient renforcer la tenue de l’Exposition universelle de 1878.
Au delà du monde aristocratique ses créations séduisent aussi la haute bourgeoisie, une riche clientèle étrangère, les actrices. 

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Donnant libre cours à son goût, il impose le style « tapissier ».
La surcharge de décoration s'y déploie immodérément.
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Jean-Philippe Worth succède à son père disparu en 1895.
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​Incarnée dans le portrait en pied de Madame Feydeau par Carolus Durant, 
Son style, sans véritable rupture, affine cependant la silhouette féminine, la traîne remplace les poufs.
La fluidité des lignes demeurent associées à la richesse des garnitures et des étoffes chatoyantes célébrées par Théophile Gauthier.
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​Salle suivante, sous le titre de « 24 heures de la vie d’une femme »,
la robe de mariée de 1878, en satin de soie ivoire damassé, application de perles, franges et rubans de soie,  (commande d’une l’américaine), témoigne de la réputation longtemps conservée auprès d’une clientèle étrangère.
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Particulièrement spectaculaires, pour le soir, les manteaux et capes s'ornent de « bouillonnements d’étoffes ».
Ces deux modèles en donnent la parfaite illustration virtuoses :
​L’un en soie rouge, dentelle noire et application de rubans en organza,
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La Pythie : 
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Cette sculpture de Marcello, Adèle d’Alfry, duchesse de Castiglione Colonna, illustre la relation amicale, teintée d’admiration respectueuse nouée entre la sculptrice, cliente fidèle, et le couturier collectionneur. Charles Garnier en fera l’acquisition pour décorer le grand escalier de l’Opéra inauguré en 1875.
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Passons aux déguisements et nombreux modèles aux références historicistes, caractéristiques des dernières décennies du siècle.
Ces tendances persistent chez Worth malgré les évolutions de la mode du siècle finissant.

Inépuisable source d’inspiration, déclinés de la Renaissance jusqu’au XVIIIe siècle, les modèles exposés en offrent une multitudes d’exemples souvent créés à l’occasion des grands bals costumés de Paris, Londres, New-York.​
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Ainsi l'évoque André de Fouquières, homme de lettres, « Ce fut une véritable entrée à sensation que celle de Madame de Bernadaky à un bal costumé… où elle apparut, minuit sonnant, drapée et costumée en walkyrie dans l’épanouissement de sa beauté ».


La salle suivante « Clientes et moments d’exception » nous porte au nadir de l’éblouissement.
Révélatrices de l’infini talent du couturier, de l’étendue de son influence à l’échelle internationale,
Là sont réunies, dans l’éclat de leur raffinement extrême, les toilettes de cour portées par tout le Gotha européen, les plus grandes clientes privées de la maison Worth, dont la Comtesse de Greffulhe.
Elles défilent parfaitement présentées, traînes déployées en un long cortège étourdissant.

Cette robe de cour que l’épouse de Lord Curson, nommé vice-roi des Indes 1891 a été exécutée à Paris par la maison Worth. Les broderies de fils métalliques et de cristaux, appliquées en Inde, illustre la manière dont Lady Curson entendait porter des « toilettes politiques ».
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Autre figure marquante, Francesca Florio, épouse de l’armateur sicilien Ignazio Florio.
En 1902 elle devient dame d’honneur de la reine Hélène, épouse du roi Victor Emmanuel III.
Créé à cette occasion, son ravissant manteau de cour, en satin de soie doublure bordée de fleurs délicatement brodées, fut ensuite porté à Vienne, à la cour de François -Joseph, et à Berlin, à la cour de Guillaume II.

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La collection de toilettes mythiques de la comtesse de Greffulhe, inspiratrice de la duchesse de Germantes de Proust,  rappelle l’exposition que lui consacra le musée Galliera (Lulu de novembre 2015).
Théâtrale, la robe de soir dite « robe au lys » en velours de soie noire, incrustations de soie duchesse blanc ivoire, cordonnets de fils métalliques, broderies de perles paillettes strass. de 1806.
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Hiératique, bordée de zybeline, sa  fameuse toilette de cérémonie dite « byzantine » portée lors du mariage de sa fille Elaine avec le duc de Guiche en 1904. 
​Elle concentra tous les regards et fut évoquée par la presse française et étrangère.

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La cape russe velours de soie violet broderies de fils métalliques, tulle de coton, et tulle métallique lamé or, doublure de satin jaune, relève de la même somptuosité. Taillée par Worth dans un manteau d’apparat de Boukhara, offert par le tsar Nicolas II, elle témoigne de l’éclectisme de sa propriétaire et du savoir-faire du couturier.
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Couturier du Gotha, les créations de Worth contribuèrent largement aux fastes et pompes des cours d'Europe.

​Toujours précurseur, il exposa dans ses vitrines la garde-robe des Tsarines avant leur expédition en Russie entretient des liens étroits avec les cours d'Espagne et du Portugal.

Très apprécié de l'aristocratie britannique, il ouvre une succursale à Londres,, au tout début du XXe siècle, dans la perspective du couronnement du roi Edouard VII.

​Seul exemple d’illustration, non des moindres, pour son couronnement en reine de Hongrie l’impératrice d’Autriche (Sissy) pose dans une robe de Worth sur le portrait d’Emil Rabending.

Association au Sommet : Worth et Cartier.

Voisins rue de la Paix, Charles Frederick Worth et François Cartier nouèrent des liens qui se renforcèrent au cours des ans avec les mariages de Louis Cartier et Andrée- Caroline, fille de Jean Philippe en 1898, puis celui de Suzanne Cartier, sœur de Louis, avec Jacques fils de Gaston en 1907.
liens indéfectibles malgré le divorce de Louis et Andrée-Caroline.

Partageant le même goût pour le style XVIIIe siècle, en 1902, les deux maison ouvrirent à Londres, sous le même toit, au 4 New Burlington Street.
Une succursale pour répondre aux attentes d’une nombreuse prestigieuse clientèle
dont la comtesse de Hohenfelsen fut la plus représentative.

L’aube du XXe siècle marque une rupture dans la mode.
Poiret en fut l’initiateur et le roi incontesté.

​Conscient de cette évolution, centrée sur une première libération du corps féminin, Gaston Worth, dont la maison conserve tout son prestige, engage Poiret en 1901.
Prématuré, se heurtant à l’incompréhension de Gaston et de sa nombreuse clientèle, la collaboration pris fin en 1903.
Mais le style Poiret s’imposa bientôt.
Worth ne put échapper à son influence tant se ressemblent ces deux manteaux- kimono agrémentés de soutaches et pompons de passementerie.

​Autour de 1910, un retour au style Premier Empire confère une ligne fuselée à la silhouette féminine.
Elle ne manque pas de séduire des actrices à la renommée internationale, telle Ida Rubinstein, (célèbre danseuse des ballets russes) portant sur ce portrait du peintre mondain de La Gandara une longue robe de Worth soulignant sa gracieuse et fine silhouette et nous permet d’admirer la dentelle arachnéenne de son étole déployée.

​Ces mêmes années, dans la « Gazette du bon ton » Sem, célèbre caricaturiste, consacre tout un article « Au vrai et faux chic » dans lequel les frères Worth sont les rares représentants d’un «vrai chic parisien» :
« ...Ils continuent la tradition de leur noble maison en la rajeunissant d’une fantaisie moderne … »
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Autre signe de l’adaptation de la maison aux nouveaux modes de vie, cette modernité se retrouve sur ce rare modèle de tailleur de jour en drap de laine et passementerie marron de 1913.

Durant la Première Guerre mondiale, la maison se consacre à des œuvres de bienfaisance, et se transforme en Hôpital comme le précise le cartel.
« Artilleur », « Mobilisé » sont les noms de modèles conservés aux Archives de Paris, non exposés.
Une de planches signées des plus grands dessinateurs de ces années reproduisent les créations de ces années.


Place aux « Années folles ».

Si le nom de Worth demeure indissociable du monde des crinolines et de « la Belle Epoque »,
On a un peu oublié sa place dans les années vingt dominées par l’émergence d’une nouvelle génération
de créateurs : Lanvin, Patou, Chanel pour ne citer qu’eux.

Loin de passer à côté de l’évolution de son temps, la maison Worth, désormais dirigée par Jean-Charles, révèle à nouveau le sens aigu d’une parfaite élégance adaptée à la modernité ambiante.

Subtilité des modèles du soir , telle cette robe « bleu Worth », couleur emblématique devenue « fétiche » jouant des transparences et de l’asymétrie des longueurs.​

Proche des artistes contemporains, grand amateur de l’Art déco, Jean-Charles initie une collaboration avec Jean Dunand ou Raoul Dufy.
De Dunand, voici cet éblouissant manteau, maîtrise magistrale des superpositions de matières et des transparences.
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​Le chic des broderies, donnent tout leur caractère de luxueuse sobriété aux modèles ci-dessous :
Strass et tubes de verre sur la hanche. 

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Des décennies avant Yves Saint Laurent, sidérantes d’audace, provocatrices, suivent ces photos de Man Ray pour lesquelles Jean-Charles, mariée et père de quatre enfants, pose entièrement nu vers 1925, 1930.
​Les années folles …
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​Peu de notes explicatives accompagnent la vitrine consacrée aux parfums.

​Créé pour « La Nuit » Un bel ensemble Lalique, flacon lotion et boite retient l’attention.

​Nous voici au terme de ce parcours.
Révélateur de l’ exceptionnelle pérennité d’une grande maison perpétuée durant trois générations,
Sans déroger  jamais  à l’excellence alliée à un sens infaillible de l’élégance,
Fondée par Jean-Charles, « Inventeur » de la Haute Couture,
Toujours dirigée et détenue par la même famille,
Elle a su briller et perdurer durant presque un siècle.

Quand aujourd'hui se succèdent, dans un incessant jeu de chaises musicales, les nominations de stylistes à la tête des maisons,
Worth demeure un symbole sans pareil,
Fascine par l’étendue et la diversité de ses créations,

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​Cette exposition, qui couvre presque deux siècles de l’histoire de l’orfèvrerie, ne compte pas moins de 1000 pièces exposées.
N’ayez crainte, toutes ne feront pas l’objet de commentaires.

Débuté par la présentation emblématique du surtout en métal argenté, ( seule pièce d’un service de 4700 pièces ) commandé par Napoléon III rescapé de l’incendie des Tuileries durant la Commune,
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​A l’opposé de cette « tradition » perpétuée, une étincelante boite à sneakers présentée dans la première salle témoigne des changements radicaux dans l’expression du luxe. ...

Revenons aux origines.
En acquérant le brevet de l’électrolyse en 1845 (le courant électrique permettant de recouvrir un métal non précieux d’une couche d’or ou d’argent) Charles Christofle, bijoutier de son état, et ses successeurs, vont« révolutionner » l’art de l’orfèvrerie.

Pédagogiques et fort instructifs, on découvre tout d’abord les procédés de fabrication.
La reconstitution d’un atelier, de courtes vidéos descriptives méritent l’attention du visiteur.
Des objets servent d’illustrations aux différentes manipulations du métier.

Dès 1852 Henri Bouilhet perfectionne la galvanoplastie :
Par l’électrolyse le cuivre se dissout dans un moule ouvrant la possibilité de réaliser des pièces creuses monumentales qui n’ont plus qu’à être assemblées, argentées, dorées.
Bien moins lourdes qu’une fonte de bronze, elles permettront de créer garde-corps, grilles, portes, et sculptures dont les torchères du grand escalier de l’Opéra Garnier.

Dans la seconde moitié du XIXe, L’Historicisme, met au goût du jour les références au XVIIIe siècle . Pour Christofle, une source d’inspiration riche et variée, réalisée à nouveau par galvanoplastie.

Autre thème alors en vogue, celui de l’Antique, suscité par la découverte du trésor d’Hilddesheim, en Allemagne.

​Enfin, toujours de Charles Rossignex, voici cette ravissante « athénienne » en métal argenté.
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La découverte de l’Art du Japon au milieu du XIXe siècle fut une révélation. Son influence s’étendra dans tous les domaines artistiques.
Le Japonisme chez Christofle donnera naissance à d’innombrables créations réunies dans une des salles les plus spectaculaires de l’exposition.
Leur profusion, leur diversité suscitent amusement et admiration. Ici rivalisent virtuosité, beauté des formes, , folklore pouvant atteindre au kitsch.

Grimpons un étage ou nous attend un autre siècle de création.
​Voici venu l’époque de L’Art Nouveau . 
A l’exposition universelle de 1900 Christofle présente un stand dominé par la courbe, l’inspiration végétale puisée dans la nature, caractéristiques de ce « renouveau ».
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​Un ramasse-miettes en forme de « Feuille de paulownia »

Le légumier « La soupe
aux choux » de Léon Mallet,

​La soupière Celeri » de Joseph-François    Joindy,

​                                La lampe électrique « Pivoine » d’Auguste Arnoux​

                       
               Le vase « Iris » d’Auguste Mallet

Comment ne pas s’étonner aujourd’hui des innombrables accessoires proposés en cette fin de siècle pour chacun des moment du repas destinées à une bourgeoisie triomphante désireuse de paraître et d’afficher son opulence.

             
Multitude et diversité d’usage relèvent d’une créativité sans limites.
​Invention breveté par Christofle, la pince à salade,

​  Elégant, ce gracieux présentoir à raisins

​« Exotique » cet éléphant « Porte cure dents » à vocation hygiéniste.

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Très représentative de l’évolution vers la modernité chez Christofle dirigée alors par Tony Bouilhet (petit-fils d’Henri).

​​Les croisières maritimes ne feront pas exception.
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Pour la Compagnie générale transatlantique, cliente depuis 1850, en 1935 la maison Christofle créera un service de 45000 pièces de couverts « Atlas » et de la collection « Transat » pour les premières classes du paquebot Normandie.
Créé par Luc Lanel, aux formes épurées, il sera repris plus tard pour le Liberté et le France.
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Privée de métaux pendant la seconde guerre mondiale, Christofle ouvre en 1942 une Galerie d’art rue Royale.

Design italien.

Une longue amitié lie depuis 1925 Gio Ponti et Henry Bouilhet.
Elle donnera lieu à une étroite collaboration célébrée notamment à l’occasion de l’exposition rue Royale de 1957   
​« Formes et idées d’Italie ».

Le Studio Chritofle.

L’ouverture de la manufacture de Yanville en 1971, la modernisation des outils de production initiées par Albert Bouilhet, la direction artistique assurée par son frère Henri, marquent un tournant radical dans les créations, résolument modernes.
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Fastes perpétués.
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La disparition du « service à la française » (chacun des convives va se servir) au profit du « service à la russe »,( les plats sont présenté individuellement à chacun des convives) permet de remplacer cloches, réchauds etc, par des surtout, corbeilles jardinières, candélabres, groupes décoratifs sculptés.
Dès 1840, la variété des décors et des formes de la maison Christofle avaient séduit le roi Louis-Philippe et sa famille.
Une distinction à la longévité sans pareil.
Elle poursuivra sous les Bourbon, le second Empire, là troisième République, et perdure encore aujourd’hui. 
Dans la dernière salle, sous nos regards émerveillés , s’exposent ces fastes diplomatiques, reflets du pouvoir.
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Et la jardinière « Les quatre parties du monde », acquises à l’occasion du centenaire de la Révolution française pour les nouvelles salles de fêtes de l’Elysées réaménagées.

Toujours en service pour les grands dîners d’état à l’Elysée, on les remarque sur des photos récentes : lors de la réception de sa majesté la Reine Elisabeth II, sous la mandature de Jacques Chirac en 2004 
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Au Grand Palais, voilà l’exposition qui aimante les foules.
Un public de tout âge et toute origine se presse, déambule s’esbaudit au fil des salles. Chacune aborde un thème différent.
Un dénominateur commun les caractérise : la célébration de l’Italie, ses richesses, ses savoir-faire.

En avant-propos, cette définition :
« Le sublime n’a pas besoin de mots, il s’impose ».
« …La mode de Domenico Dolce et Stefano Gabbana offre des émotions uniques ».
Nous voilà avertis.

​Edifiant, le premier modèle, exceptionnelle ode à Paris, voit se dresser sur le devant d’une robe, dûment brodé et signé, une géante Tour Eiffel or .
Idéale pour touriste en mal de souvenir.
​
​Le ton est donné.

La suite se révélera autrement surprenante.
Sans limites, sans merci,
Prétention et vulgarité s’y étaleront, luxuriantes et outrancières.
​Exemple sans appel, cette première salle consacrée aux grands peintres italiens de la Renaissance.
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Douloureux.
​Yves Saint Laurent, en son temps, avait su donner une vision autrement inspirée de son admiration pour les plus grands artistes.

Inattendue, cette belle cape en maille lamée brodée de mousseline conclue l’épisode. ​

Changement complet d’ambiance au chapitre suivant.
Place au folklore sicilien.
Couleurs criardes et bariolées recouvrent sans exception sol, murs, charrette, robes, jusqu’aux cafetières, italiennes et réfrigérateurs, sacs et chaussures.
​​Tel le carnaval, le passage divertit, conforme à ses outrances.
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Sans transition, fait irruption la pureté du blanc « baroque ».
Force carton pâte, chérubins potelés, volutes, pilastres et cariatides célèbrent l’admiration portée par notre duo pour le travail de Giacomo Serpota, artiste en vogue au XVIIe et XVIIIe siècle pour ses stucs décoratifs

Ici « Les couturiers, capturent avec talent (sic) la tension dramatique » entre « simplicité du blanc et opulence des compositions … aux poses complexes ».
Rien de moins.
Et de préciser :
« Modelés avec du crin et de la ouate pour donner du volume, les modèles sont recouverts de satin duchesse et de mikado afin de leur donner la brillance des stucs de Saporta ».
Je vous laisse juge du résultat.
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Agenouillée face à un cœur étincelant, le mannequin en prière nous permet d’admirer sans réserve, le fabuleux travail de broderie au fil d’or sur ce long voile de dentelle noire qui déploie sa traîne face au public.

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Elles nous conduisent à la reconstitution d’un atelier de haute couture.
​Instructif pour les néophytes.

​Comparée à la robe portée par Claudia Cardinale, bien décevante celle créée par le tandem. Motif convenu, sur la jupe à crinoline s’affrontent de pâles léopards peints à la main
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Pour magnifier Milan, centre de la création des collections Alta Moda, Alta Sartoria, et la Madonina protectrice au sommet de la cathédrale de la ville, cette robe à panier et corset de dentelle macramé sous son voile de tulle rehaussé d’empiècements en dentelle paraît d’une légèreté inédite
Utile rappel au style des couturiers, la paire de « cothurnes » posées devant

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​Annoncée comme « Une des sources d’inspiration importante » voilà les verreries de Murano qui participent au « jeu de reflets » entre vêtements, miroirs et lustres.

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​Sous une véritable forêt de suspensions monumentales ​et devant de gigantesques glaces cernées de cadre lourdement ouvragés, le spectacle sidère.

Références culturelles au service d’une mascarade,
Condensé de mauvais goût,
Ostentation, blingbling, surcharge, et kitsch se déclinent sans retenue,
Répétitifs, systématiques, limités, techniques et matériaux se multiplient à
l’identique.

Elégance : mot banni, exclu, oublié, voire inconnu,
La vulgarité le dispute à la prétention déclarée : celle d’une
« Beauté capable de transfigurer le monde ».

Pour tout le travail virtuose accompli par les ateliers,
un véritable dévoiement de la « Couture.
Au regard de tant de talents italiens que l'on admire, la performance atteint au comique.

Les tissages d’Anni Albers, artiste moderne, élève du Bauhaus au début des années vingt, épouse de Josef Albers, nous ont récemment éblouis lors de la rétrospective au Musée d’Art Moderne en 2021.
Elle peut être considérée comme la pionnière de l’art du textile.

Sheila Hicks, dont on a pu voir dernièrement les œuvres au Musée Georges Pompidou, s’inscrit dans cette lignée.
Une forme d’art aujourd’hui largement connue et reconnue.

Chiaru Shiota et Olga de Amaral en sont les emblématiques représentantes contemporaines.

Deux importantes expositions leur rendent pleinement hommage.

Honneur à l’aînée ,Olga de Amaral,
Sublimée dans le cadre de la Fondation Cartier et la scénographie de Lina Ghotmeh.

Première grande rétrospective en Europe pour cette artiste nonagénaire née en Colombie.

Dès l’entrée de la grande salle, nous toisent de monumentales « tapisseries » composées de milliers de morceaux de tissus.

Suivent dans la deuxième salle, aériennes, fragiles, telles les pénétrables d’un Soto, les « suspensions » composées de fils enduits de gesso et recouverts de peinture acrylique. Elles nous transportent dans un univers radicalement différent, évanescent et d’une totale poésie.
Telle une bruine aux couleurs éclatantes, évoquant le Mexique, ou d’une blancheur suave, elles invitent à une déambulation d’une grande douceur, offrent une surprenante diversité de points de vue.

Arrivés au sous-sol baigné d’une semi- obscurité savamment dosée,
le mystère vous enveloppe.


Une colonne de fils s’érige, au mur, des panneaux composés d’entrelacs de fibres végétales font références aux cultures indiennes.
Autant de « Liens » entretenus avec la nature, les paysages, les civilisations de son continent.

​Totems oniriques ? Mégalithes or ? Menhirs ?
Stellaires, les dernières œuvres exposées se dressent en arc de cercle.
Disposées dans la pénombre, elles subjuguent, fascinent, nous interrogent pour atteindre à une troublant spiritualité.

Magicienne, ensorceleuse, Olga de Amaral est une immense artiste.
Elle porte son art à hauteur de l’ineffable.
Conduit au recueillement, élève le spectateur.
Précieux et rare moment d’intense émotion artistique.


La japonaise Chiaru Shiota, de beaucoup sa cadette, a déjà atteint à la reconnaissance internationale : en France, Antoine de Galbert lui a consacré sa première grande exposition, à La Maison Rouge en 2011 où l’a découverte Lulu.
En 2017, pour les fêtes, ses œuvres occupent les vitrines du Bon Marché, le grand magasin de la Rive Gauche. Plus révélatrice encore de sa notoriété, les amateurs de sports d’hiver la retrouvent jusque dans une galerie de Gstaad en 2023.


Le gigantisme caractérise sa rétrospective au Grand Palais.
S’y déploie la totalité de son parcours artistique dans la mise scène de Mami Kataoka, directrice du Mori Art Museum de Tokyo, commissaire de l’exposition.

En Allemagne elle vivra deux étapes déterminantes:
A Brunswick, avec Marina Abramovic, elle poursuit des expériences corporelles touchant à l’extrême,
A Berlin, elle étudie avec Rebecca Horn.
C’est là qu’elle réalise ses premiers « tissages » composés de fils enroulés sur son corps avant de réaliser, en 2002
​« In Silence » première installation monumentale, sinistre souvenir de l’incendie qui ravagea la maison voisine de son enfance au Japon.

​Un sentiment obsédant de présence-absence qui se retrouve, spectaculaire dans cet alignement de robes vides mesurant 14 mètres de haut :
« Memory of Skin » 

​La conscience de la proximité de la vie et de la mort, ressentie lors de la récidive de son cancer :
Ces lits d’hôpital « Searching for destination » 

Ces quelques évocations ne sont pas exhaustives,

Deux autres temps forts marquent encore les esprits avant la sortie.

​Une déambulation « immersive » entre les denses faisceaux de fils de laine incarnat reliés chacun à une frêle structure de barque d’« Un certain Journey » ne peut manquer de nous interroger sur la « traversée » de notre fragile existence, ou, plus réaliste et brûlant d’actualité, le sort des émigrés. ​

Suspendue au-dessus du monumental escalier qui mène à la sortie, laissons nous enfin emporter par un doux rêve sous ce déploiement d’ailes à la blancheur immaculée, promesse d ‘évasion exquise. Réalisée en laine blanche, fil de fer et cordes, intitulée « Where are we going » d’une fraîcheur inattendue, l’œuvre nous surprend.
Au final, elle apporte comme un apaisant souffle d’espoir.

​Tisserandes toutes deux,
Chiaru Shiota tend, noue, enchevêtre ses fils.
Davantage qu’un cocon protecteur, entremêlés dans un travail virtuose et très personnel, ses fils nous emprisonnent, nous piègent dans ses rets à l’image de ses tourments ainsi exposés.
Pas d’échappatoire.
Une artiste autocentrée.


Avec son regard résolument ouvert au monde, à ses beautés, sa diversité jusqu’à ses mystères sublimés,
Dans une appropriation nimbée de poétique beauté, Olga de Amaral nous transmet son insatiable curiosité pour accéder au « cosmique ».